Cuando un director mítico como Martin Scorsese anuncia el estreno de una película se para el mundo, o mejor dicho, debería pararse. Esto puede acercar al lector a las expectativas que yo personalmente me creo en ciertas ocasiones, y este estreno no era una excepción. Y no puedo hablar de decepción porque "Los asesinos de la luna" es una buena película, de bella factura, buenos actores y gran dirección artística (volvemos a los decorados de toda la vida, al cine de la vieja escuela), así como una fotografia más que aceptable en general y brillante por momentos: Pero pese a eso creo que el gran Marty ha dejado pasar una bonita ocasión de hacer algo más grande.
Los ingredientes argumentales además eran muy buenos: una tribu india de Oklahoma, los "Osage", descubre que bajo sus tierras hay innumerables yacimientos de petróleo, por lo que empiezan a explotarlos y se convierten en millonarios, de modo que los jovenes muchachos de raza blanca de poblaciones cercanas comienzan a mostrar especial interés por las muchachitas osage casaderas... Hasta ahi todo normal; pero lo cierto es que tras los matrimonios comienzan a producirse muertes de algunas de estas jóvenes, la mayoria por causas aparentemente naturales o lamentables accidentes o supuestos suicidios, y ello provoca una investigación que conllevará ciertas consecuencias, y hasta ahi puedo leer.
El hilo conductor de la historia nos viene dado de la mano de Ernest, personaje una vez mas brillantisimamente interpretado por Leonardo Di Caprio, quien contrae matrimonio con Mollie, una joven osage que ve como sus familiares fallecen en extrañas circunstancias y toma cartas en el asunto.
¿Y por qué digo que no me ha terminado de convencer la peli pese a ser un filme bien elaborado? Pues porque creo que le falta chicha... primero porque para contar lo que cuenta no hacen falta tres horas y media, y en ocasiones reitera y reitera la misma idea, y se hace larga y un tanto pesada, me atreveria a decir; y segundo, porque creo que la película se diluye en un film de investigación (son los albores del FBI), y pasa de lado, a mi modo de ver, de la cuestión nuclear del asunto: la lucha de clases, el racismo (y hablo de racismo en una sociedad donde el indio es el potentado y el blanco es el currito de turno, y sin embargo late el sentimiento de supremacìa racial caucásica), la pura ambición y el materialismo.
Como decía antes, Leo Di Caprio está sensacional, para variar, y sin embargo el papel que le toca interpretar a Robert De Niro nos deja un poco igual, no es un personaje al que uno esté deseando ver, pese a ciertas sutilezas de su forma de actuar. Lo hace bien (¿cuando De Niro está regular o mal?), pero creo que al personaje le falta poso.
En cualquier caso se trata de una peli correcta, bien hecha, bien contada, algo larga y que creo que no estará en el top 5 (nisiquiera top 10, me travería a decir yo) de las películas dirigidas por el gran Martin Scorsese.
Oppenheimer. Reconozco que me sonaba vagamente ese nombre y que sin embargo sabía que el "Proyecto Manhattan" fue aquél que desarrolló las bombas nucleares que arrasaron Hiroshima y Nagasaki como colofón a la Segunda Guerra Mundial. Una película que tiene el nombre de una persona se debe basar, necesariamente, en su vida y obra. Pues bien, aunque su obra es por lo que será recordado este científico norteamericano, mi sensación, tras ver la película, es que se nos pretende mostrar su vida, su forma de pensar, sus inquietudes, sus miedos y fantasmas, e incluso sus anhelos.
Estamos hablando del hombre que fue portada de Time con el titular "El padre de la bomba atómica", y la película nos muestra la génesis del Proyecto Manhattan (que salvo equivocacion por mi parte apenas se nombra una vez en todo el filme), su desarrollo y consecuencias en la historia de la Humanidad y sin embargo, desde mi punto de vista, realza la psique del protagonista. Porque la ciencia y la ética pueden ir cogidas de la mano o no, y porque se puede interpretar sobre lo que es éticamente correcto en el desarrollo científico o no, y esa será una cuestión muy subjetiva. Cuando estamos hablando del desarrollo de un arma capaz de aniquilar en unos segundos a 80.000 personas y a mas del doble en los días siguientes, por sus efectos, es lógico y normal que en algún momento alguien se pregunte si se está haciendo bien, si es lo correcto. Yo no se hasta que punto la preocupación de Oppenheimer, tal y como se nos muestra en la película, es real o es impostada... si simplemente trata de justificarse apelando a un beneficio mayor para la Humanidad, cual es, no el fin de la Segunda Gran Guerra, sino la demostración de fuerza capaz de disuadir a los gobiernos de que sigan tirándose pedradas.
Me hacía mi sobrino una observación al salir de ver la película, cual era que para él las escenas en blanco y negro son las que narran los hechos de manera objetiva, mientras que las escenas a color nos mostraban el prisma subjetivo del protagonista. Me gustaría volver a ver la peli para fijarme en ese detalle, pero aqui lo dejo, por si algun lector quiere verificarlo y comparte o no su opinión.
Pese a las más de tres horas de metraje (yo habría hecho algun recorte) la película mantiene el ritmo en todo momento, apenas deja respirar, ni siquiera en sus muchas escenas de diálogos técnicos, siendo hasta pedagógica. Y no, mis queridos lectores, no se trata de una película de tribunales, porque supuestamente no hay un juicio, y sin embargo, vista la peli, nos damos cuenta de que el juicio es continuo, y que existe un acusado (Oppenheimer) un abogado defensor, un fiscal, unos testigos, una prueba documental y un tribunal. ¿He dicho que no es una pelicula de juicios? Lo retiro señoria, que no conste en acta.
Me ha encantado el acompañamiento sonoro, no solo el musical, y los solos de piano, sino los efectos de sonido. Ya lo dije en la anterior cinta de Nolan, "Tenet", cómo era capaz este director de hacer música con ciertos sonidos que parecen poco melódicos. Lo ha vuelto a hacer, sobretodo en los momentos de más tensión de la peícula.
Y no quiero olvidarme de Cillian Murphy, el actor que da vida al protagonista, quien, sin conocer yo a la persona a la que encarna, considero que hace un magnífico papel, mostrando mucho con su expresión corporal, con su mirada y con sus silencios.
Recomendable película, que sin ser una obra maestra de todos los tiempos es necesaria y contribuye a que le demos un par de vueltas a eso que no está de más conocer, como es la Historia, y seamos además conscientes de cómo ésta se ha escrito y cómo podría haber variado.. apretando o no un fulano un botón.
Me ha gustado la última cinta de Wes Anderson. Sin ser mi director de cine favorito, es un realizador que me gusta, proveyéndonos siempre de productos originales y bien facturados. Asteroid City no es una excepción.
Teatro dentro del cine y unas situaciones surrealistas hacen conjunción en esta cinta repletísima de primeras espadas de la actuación (Tom Hanks, Willhem Dafoe, Scarlett Johansson, Edward Norton, Margot Robbie, Adrien Brody, Tilda Swinton... varios Oscars hay entre todos ellos), demasiadas para mi gusto, pero claro, como acabo de decir, se trata de teatro dentro del cine, farándula al cuadrado por tanto, por lo que se permite la licencia de este “abuso actoral”, si se me permite la expresión.
Cuando una serie de estrafalarias familias se dan cita en una aldea en medio del desierto con un cráter de más de 3000 años de antigüedad para repartir unos extraños premios científicos a frikis estudiantes de secundaria solo pueden pasar cosas esperpénticas... que es justo lo que ocurre aquí. Vamos discurriendo entre escenas de cada acto de la obra teatral, con su conveniente separación, y se van desarrollando una pequeña suerte de subtramas que harán conjunción la noche de entrega de los premios, donde ocurre algo singular, en la línea de los acontecimientos.
Me han gustado mucho los personajes y los actores que los interpretan. En la gran mayoría de las ocasiones puede parecer que actúan de manera forzada o exagerada pero... ¡es teatro dentro del cine!, lo he dicho ya tres veces. La fotografia, con esos colores pastel, como apagados y deliberadamente llamativos como parte del atrezzo, es de lo más original y sugerente.
No hace muchos años yo media si me había gustado muchísimo una peli o no en el hecho de que pensara en comprármela cuando saliera el dvd... No sería este el caso, pero me alegro de haberla visto, habiéndolo hecho además en un pase en absoluta exclusiva para mi solito, el día de su estreno en España, y en su primera sesión, cosa que me dejó, eso si, tremendamente preocupado. No se cuánto aguantará la industria. Dios salve las subvenciones a las salas de cine.
No sabría decir si “Las ocho montañas” es una película que se centra en la relación del ser humano con la naturaleza o en la historia de amistad de dos personas criadas en ambientes muy distintos: el profundamente rural y el peligrosamente urbanita. Y aunque aparentemente la cinta gira sobre lo segundo, la relación entre Bruno y Pietro, mi impresión es que nos quiere transmitir lo primero: el ser humano y su entorno natural.
Esta película me ha trasladado, aunque fuera tangencialmente, a algunos momentos escondidos en algún rincón de mi memoria: las amistades infantiles y juveniles, la vida en un entorno natural, los veranos desprovistos de manera absoluta de preocupaciones, los retos, las ausencias... Y en ese último apartado surge la figura paterna, esa que en este caso marca claramente el desarrollo personal de Pietro, sin que lleguemos a entender, yo al menos no lo entiendo, el motivo del distanciamiento, sobretodo intelectual, entre padre e hijo. Con Bruno ocurre algo similar, sin embargo entendemos perfectamente el motivo por el que rompe con su progenitor.
Bajando al barro hay que decir que sobrevuela durante casi toda la cinta un aroma a “Brokeback mountain” que quita el sentido... y no seré yo el que descubra si al final la relación entre los protagonistas va más allá de la amistad o no, si bien sería una banalidad centrarse en eso cuando lo que entiendo que se nos quiere transmitir es la relación del ser humano en sí (dando igual su sexo, parentesco, etc) con la naturaleza, poniendo de manifiesto la paradoja que conlleva hacer esa distinción, como si ser humano y naturaleza fueran cosas distintas, susceptibles de ser "mezcladas".
La película mantiene cierto tono melancólico que sin embargo es muy bello. Uno desea por momentos, como pasaba un poco al ver “As bestas”, dejarlo todo e irse a la montaña y vivir en armonía con lo que nos rodea, y surge el pensamiento de que “así deberían ser las cosas” y que si comparamos estos ambientes rurales y de montaña con los de las ciudades comenzamos a toser, asqueados, ahogándonos en una atmósfera repleta de malos humos, en todos los sentidos, y estrés.
No he podido evitar acordarme de Chris McCandless y la peli de Sean Penn “Hacia rutas salvajes”, otro ejemplo maravilloso, aunque trágico, de búsqueda del ser humano de su integración en algo que nunca debió dejar de ser parte de él, la madre naturaleza.
Fotográficamente bella y cautivadora película que no dejará indiferente a quien se atreva a verla durante sus 147 maravillosamente pausados minutos.
Tenia muchas ganas de ver esta pelicula. Apenas habia escuchado nada de ella pero habia visto el trailer y se trataba de una peli de Spielberg contando algo así como su infancia y cómo se fraguó la figura de uno de los directores de cine más trascendentes de las ultimas cuatro décadas, por lo que no podía dejar de verla.
Y no puedo decir que me haya decepcionado, en absoluto, pero quedó un pelín por debajo de mis expectativas, que eran muy altas.
La cinta de Spielberg está muy bien. Dos horas y media que pasan en un suspiro. Se centra en dos cuestiones básicas: cómo surge el amor por el cine por parte del protagonista, por un lado, y cómo se desarrollan las relaciones familiares de éste, por el otro. Lo primero es pura magia, está tratado con entusiasmo, transmite la ilusión del chaval que, inquieto, queda impactado en una sala de cine tras ver cierta escena de acción y no cesa hasta reproducirla y tratar de, desde su infantil punto de vista, mejorarla. Seguimos la evolución de un niño judio, que pasa a ser un adolescente donde su principal y singular atractivo es su capacidad de movilizar a la gente, familia, amigos y compañeros de curso, para hacer pequeñas películas de todo tipo. La segunda cuestión en que centra su atención esta película son las relaciones familiares del protagonista y los suyos. Crudeza y ternura para ver como una familia judia obligada a mudarse cada dos por tres debido a la promoción laboral del padre de la familia se enfrenta a las habituales burlas antisemitas demostrando a la vez un talento innato, objeto de las más oscuras envidias.
Y en estas relaciones familiares aparece como eje central la figura de la madre, esa madre que va a marcar no solo la infancia del que luego se convertirá en aclamado realizador ("la culpa es una emoción inútil", como diría ella), sino la de toda la familia. Un papel maravilloso el interpretado por Michelle Williams. Una madre que aunque sigue a su esposo allá donde va, es el centro de la familia, el ser más débil y fuerte a la vez, sensible, entusiasta y aparentemente insensato de todos los que componen la unidad familiar. Y son muchos. Y Sammy, que es como se llama nuestro joven protagonista y alter ego del director de la cinta, utiliza su objetivo no solo para inventar historias fantásticas de asaltos en el oeste, fiestas veraniegas, momias o accidentes de trenes sino para plasmar con ella la cotidianidad de su dia a dia en familia, siendo testigo, a veces demasiado indiscreto, de lo que ocurre en casa de los Fabelman.
Queda un regusto agradable al terminar la proyección, lo que unido a las interpretaciones (¡maldita sea que no haya apenas salas en versión original subtitulada!) hacen del visionado de esta película una actividad de lo más recomendable, sobretodo con los Oscars a la vuelta de la esquina.
El otro dia me metí en el cine sin comerlo ni beberlo, solo porque pasaba por ahi y me venía genial la hora y el sitio, y porque me apetecía mucho ver esta pelicula, pero ciertamente no sabía qué me iba a encontrar. Brendan Fraser haciendo de un señor homosexual con una obesidad mórbida de esas espectaculares era el principal reclamo, y a su vez podía crear ciertas reticencias, que todos nos acordamos de George de la jungla...
Charlie (Fraser) es un hombre de mediana edad, con esa impactante enfermedad que deriva en otras muchas. Vive solo, desde que murió su novio, lo que derivó en una crisis personal que le llevó a engordar de manera brutal hasta convertirlo en la ballena del titulo (¿o la ballena realmente es Moby Dick y van por otro lado los tiros?; bueno, lo dejo a gusto del consumidor que lo quiera descubrir). Charlie comienza a verse con su hija, una adolescente de 16 años que es, en apariencia, la viva encarnación de Lucifer; odia a su padre y a todo ser vivo que le rodee y está dispuesta a no dejar títere con cabeza allá por donde va. No perdona a su padre el haberlas abandonado, a su madre y a ella, cuando tenia ocho añitos y lo necesitaba como nada en este mundo. Y ahí comienza una espiral de reproches que tienen como respuesta a un aparentemente indolente, conformista y optimista padre, que piensa que tiene la última oportunidad de recuperar a su hija antes de abandonar este mundo. Su cuñada/enfermera, un extraño predicador y su ex mujer y madre de ese pequeño demonio, son los demás personajes, que giran entorno a la particular vida de Charlie.
Quizas con estos mimbres se puede decir que la interpretación de Fraser es muy buena, tiene que serlo para que te la creas, y yo me la creo. No tanto a su hija, la verdad.
Pensaba al ver esta peli que podía ser perfectamente una obra de teatro, dado que solo aparecían cinco personajes y la acción se desarrollaba en el interior de la casa del proganista.
Una vez vistos los créditos y tras comprobar además que estaba dirigida por Darren Aronofsky ("El luchador" o "Cisne negro"), cosa que ignoraba, vi que estaba basada en una obra de teatro, lo cual era del todo lógico.
Disfruté de esta cinta por momentos terrible, angustiosa, melancólica, tierna, deprimente o esperanzadora, extraño cóctel. En cualquier caso recomiendo ir a verla.
“Babylon” es una muestra más de esa expresión a veces tan manida de “cine dentro del cine”, pero que define a la perfección el contexto de lo que nos vamos a encontrar cuando vamos a ver esta peli, y a mi me sigue pareciendo mágico.
Nos encontramos en California, en los años 20, los años dorados del cine mudo, y una época donde ya las estrellas del celuloide eran mundialmente conocidas.
Esta película muestra una vez más la “magia” del sueño americano, donde un inmigrante mejicano por un lado y una chica sin oficio ni beneficio por otro, surgen de la nada y por cosas del destino van escalando laboral y ¿socialmente? (esto último podría abrir un debate) de manera fulgurante. Y se nos muestra un contexto que, lejos de lo que a veces podríamos pensar, nos acerca a una sociedad desinhibida, con unas ganas de marcha y cachondeo que difícilmente nos podría hacer pensar que nuestros abuelos (versión americana) pudieran estar metidos en semejantes saraos, donde el exceso, el derroche y la perversión eran la norma. Las juergas de “El lobo de Wall Street” quedan en una anécdota al lado de como se lo montaba el personal en lo que sería el Hollywood de la primera mitad del siglo pasado.
Y ayuda de manera brutal a meternos de lleno en la trama y en esa forma de vivir la vida el montaje de la cinta, ritmazo frenético en ciertos momentos y en su justa cadencia en otros. Porque la película va subiendo y bajando, en cada una de sus fases, y a la par de las necesidades que impone el guión. Como suben y bajan unas estrellas de un arte, que como dice uno de los personajes “no es un arte menor”, que de repente ven como la llegada del sonoro convierte su gloria en la nada. Como si el cine mudo y el cine sonoro fueran cosas distintas, fueran artes distintos... y lo eran, y ciertamente, salvo excepciones, unos no tenían cabida en otros.
El personaje protagonizado por Brad Pitt da buena cuenta de ello.
Margot Robbie, que interpreta a la locuela Nelly Le Roi, está tremenda, interpretativamente hablando, bueno, y de lo otro también, pero lo cierto es que no sobra en ningún momento ni te hartas de ella. Yo no podía evitar recordar al personaje interpretado por Sharon Stone en “Casino” de Scorsese, y vista entera la película me reafirmo en ello, de cabo a rabo.
Esta peli es un homenaje al séptimo arte, de forma implícita en múltiples referencias, la más clara o llamativa para mi la de “Cinema Paradiso” con la escena en el cine entre lágrimas, pero sobretodo de forma explícita cuando vemos un montaje con películas encadenadas que van desde “La llegada del tren a la estación de La Ciotat” de los hermanos Lumiere hasta la propia Avatar, estrenada en cines hace pocas semanas. Quizas este homenaje para mí sobraba, porque parece un anexo más que una parte, llena de un lógico anacronismo, de la película que estamos viendo.
De todos modos se nota que Damien Chazelle, el director de la cinta, es un apasionado de su trabajo y del cine en todos sus aspectos. Tres horas y diez minutos de película, que a mi no se me hicieron largos... y seguro que habrá cortado cositas, cuando homenajeas hay veces que todo te parece poco.
En definitiva, una gran película, muy recomendable, que deja un sabor de boca magnífico al que va a verla, pensando si tal vez ha visto algo que con el tiempo terminará siendo todo un clásico. Yo apuesto por ello.
La “rapa das bestas” es un evento rural gallego que básicamente consiste en agrupar caballos salvajes para, por parte de los mozos del pueblo, marcarlos, desparasitarlos y cortar sus crines antes de devolverlos de nuevo al monte. La última película de Sorogoyen comienza con unas imágenes que nos recuerdan a esta fiesta tradicional y esa presentación es el resumen de lo que nos vamos a encontrar a lo largo del filme: la lucha encarnizada entre bestias, la lucha de domadores frente a unos seres que no entienden de esa violencia, que se ahogan en su desesperación por ser libres.
Así le pasa al matrimonio francés protagonista, enamorado del monte gallego y de una vida rural dura pero plácida, que no entiende de presiones para dejar su vida y empezarla en algún concejo cercano.
Esta magnífica película te mantiene en vilo en sus dos horas de metraje, con el corazón en un puño. Las interpretaciones son brutales, la de Luis Zahera especialmente. Cómo desea uno que siga hablando, aunque duela en el alma casi todo lo que dice.
Los planos secuencia que nos brinda el director son soberbios, quedándome con dos momentos en particular: el de la botella que comparten Antoine, Xan y su hermano en el bar de la aldea y el de la conversación de la madre y la hija en la cocina de la casa rural.
Hay que tragar saliva mientras se ve esta película, “disfrutando” de las miserias de las personas, los anhelos incumplidos y las ilusiones que justifican los más viles comportamientos.
Recomiendo sin duda alguna ir al cine a ver esta peli y hacerlo por supuesto en versión original, disfrutando de cada línea de guión en el idioma en que se interpreta, gallego, francés y castellano.
Ir al cine es la fórmula más habitual de viajar en el tiempo. Cuando el viaje es al pasado y la historia es real o aparenta serlo ese viaje puede ser muy especial, dependerá de la maestría de quien escibe, dirije e interpreta la obra básicamente.
Modelo 77 es un viaje en el tiempo, un viaje íntimo, por decirlo de algún modo, porque nos lleva a un momento que, de una manera u otra, marcó una huella imborrable a todos aquellos que nacieron en los 60 o antes, la transición española.
Cuesta aceptar que, en un tiempo que no queda tan lejos, el trato a los presos en las cárceles españolas fuera como el que se denuncia en la película.
Con excepciones, en esta cinta no importa por qué delito está uno preso sino la persona en la que te convierte la propia prisión, el sistema y los funcionarios que lo ejecutan. Y en el momento en que se juntan dos o tres presos que "saben leer y escribir" comienza la revolución, aunque a qué precio a veces.
Quería darle un voto de confianza a Miguel Herrán, que interpreta al protagonista de la cinta (Manuel), pues había escuchado que bordaba su papel... lo siento pero a mi no me gusta, no se si es por su expresión corporal, por su tono de voz o por qué. No puedo evitar pensar que estoy viendo a Mario Casas tratando de hacer un papel serio de verdad, no te creo Mario.. pues no te creo Miguel, aunque sin acritud, Río. Vemos a Fernando Tejero y no podemos evitar ver una mezcla de sus dos personajes de "Aqui no hay quien viva / La que se avecina", pocos registros. Por contra nos encontramos a un magnifico Jesús Carroza, interpretando a "El Negro", en uno de esos papeles que te dejan con ganas de más, y a un sublime Javier Gutiérrez, dentro de la piel de "Pino", compañero de celda y de ambiciones de Manuel.
La película es entretenida, mantiene un ritmo adecuado aunque para mi gusto, y visto lo que se pretende contar, le sobra algo de metraje. No se si es cosa mía o si director y productores lo han hecho a propósito pero ¿y la banda sonora? ¿no se ha dejado escapar una oportunidad magnífica de meternos en los tardíos 70 con lo más granado del panorama musical carcelario? Y es que donde se pongan Los Chunguitos...
Vi la última de Baz Luhrman hace un par de semanas, pero he querido esperar al día de hoy, 16 de agosto, para publicar esta reseña... hasta aquí mi homenaje al rey del rock.
Me ha gustado la peli, básicamente. El ritmo que le da el director a la cinta, con ese montaje tan característico y el uso de efectos sonoros y gráficos diversos me recordaron en gran medida a Romeo + Julieta y sobretodo a mi queridísima Moulin Rouge (amigo Baz, te estaré eternamente agradecido por parir tal obra de arte, en sus más variados sentidos).
El enfoque de este biopic nos lo da el Coronel Parker, personaje extrañamente poco conocido teniendo en cuenta la influencia que tuvo en la historia de la música, aunque pudiera pensarse que si no hubiera sido por él habría sido por otro. Elvis venia ya lanzado al éxito. Había bebido del arte de los suburbios, de la música negra y del country, tan en auge este último entre el público de tez, digámosle, más blanqucina. De ese mestizaje y de sus proverbiales y escandalosos movimientos de cadera, junto con una aterciopelada voz, surgió un fenómeno mundial que ahora nos enteramos que no hizo giras internacionales por los problemas de visado de su manager. Hasta ahí llegaba el poder del coronel.
Hay una escena que resume el fenómeno Elvis, y es en aquella en la que decenas de mujeres que asisten junto con sus esposos, novios, padres o amigos sucumben a los encantos de la que a a postre sería la estrella de la música más grande de todos los tiempos (con permiso de W.A. Mozart y Freddie Mercury, claro...), y sufren una especie de catarsis a la par hipnótica y orgásmica (parecida a la que sufre el propio Elvis con unos 14 años al entrar en esa misa gospel negra en una especie de tienda de campaña enorme). En ese momento el coronel sabe que no puede dejar escapar a esa joya y se las ingenia para mantenerla siempre, o casi siempre, a su lado.
Buena interpretación de Austin Butler en el papel de Elvis, más por su expresión corporal que por la verbal, a salvo de ver la peli en VO.
Y bueno, la música merecería un capítulo aparte. Ignoro quien le pone voz al Elvis cantante pero lo cierto es que no deja de ser una imitación de alguien inimitable. Eso si, se nos olvida un poco cuando escuchamos piezas como Houndog, Tutti frutti, Suspicius minds o Unchained melody.
Aunque todos sabemos como acabó Elvis no diremos como acaba la película, por supuesto, pero lo cierto es que deja claro que se trata de un biopic.... si, un biopic del Coronel Parker.
"Cinco lobitos" es un film sorprendente. Desde su aparente sencillez te hace reír, llorar y pensar... Reir, llorar y pensar, casi nada. ¿Se puede pedir más a una película? Si, claro que si, pero que una peli te de estas tres cosas ya es algo maravilloso.
La película nos lleva a las entrañas del día a día de una familia “normal” en un momento concreto de la vida, la llegada de un bebé, tratado con la crudeza que realmente conlleva. Olvidémonos de anuncios de pañales o de seguros de vida, que nos muestran preciosos bebés y modelicas familias siempre felices y sonrientes. Aquí bajamos al barro de la realidad, de los dolores de una madre a quien la episiotomia no deja sentarse en condiciones en una simple silla, de las noches sin dormir y los reproches a la pareja porque cualquier atención es insuficiente, porque todos somos víctimas de esas “maravillosas” (y la madre pensando “este tío por qué puñetas no se pondría condon”) criaturitas. Y los abuelos, que están pero “es que a nuestra edad...”, y los planes, y las incertidumbres, y la oportunidad laboral perdida, y más reproches...
Laia Costa está absolutamente soberbia. O yo no me entero o no comprendo como no es de las actrices más prolíficas del momento. Lo poco que he visto de ella me parece sublime, pedazo de actriz, de esas que te transmiten tanto con sus palabras como con sus silencios.
Creo que era Hitchcock el que decía que había que huir de rodar con niños y animales. Es lógico, a ninguno de ellos se les puede exigir. A un recién nacido obviamente mucho menos. Sigo maravillado con las escenas en las que bebé y sus familiares, sobretodo su mamá, interactúan... a ver si va a ser que la recién nacida ha sido creada digitalmente y por eso su actuación se ajusta tanto al guión... El plano secuencia en el que la madre le da el pecho por primera vez a su hija es sencillamente magistral.
"Cinco lobitos" es reflexión. Análisis de la felicidad, de la tristeza, del desengaño, de lo que pudo ser y no fue, de ese tópico tan en entredicho de que “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Un análisis a veces tramposo, porque las cosas no son como fueron sino como las recordemos en cada instante; porque bañar a un bebe puede ser un momento maravilloso o una puta mierda de vida de obligaciones, según el momento en que veas el vídeo familiar de turno.
Reír, llorar y pensar. Con ese cóctel nadie debería dejar de ver la película; bueno si, aquellos que estén pensando en tener un bebé... Ahí lo dejo.
Probablemente no llenarán estadios, y seguro que no lo pretenden, pero si le ponen la mitad del empeño y del cariño por la buena música que demostraron el pasado domingo en su concierto de debut estos cuatro músicos disfrutarán mucho interpretando los temas de uno de los artistas y compositores más grandes que ha dado la música española en los últimos 40 años, Antonio Vega.
Algunos de los que hicimos EGB recordaran más a Nacha Pop que al propio Antonio Vega. Él y su primo Nacho eran el alma de uno de los grupos pop más importantes de los ochenta, de eso no hay duda. Pero lo cierto es que la trayectoria de Antonio, que fue muy prolífica tras el ocaso de la banda, no tiene nada que envidiar a la del grupo, aunque, eso sí, tuvo un reconocimeinto ínfimo entre las masas. Sin embargo, a la gente que le gusta la buena música no le pasó desapercibida la obra del injustamente denominado "chico triste y solitario". "Vega Pop", este cuarteto gaditano, se encargó de ejecutar sin grandes pretensiones pero con la maestria propia que caracteriza el hacer percibir como sencillo lo que es una obra compleja y llena de matices, algunas de las mejores canciones del fallecido musico madrileño.
La actuación comenzó prácticamente a la hora convenida, sonaron los acordes de "Esperando nada" y el público se dio cuenta de que eso sonaba bien y pintaba aún mejor. Tras ella y después de unas tímidas palabras del vocalista del grupo tocaron varios temas como "Elixir de juventud", "Lo mejor de nuestra vida", o "Puertas abiertas" (con felicitación de cumpleaños incluida, ¡felicidades de nuevo Rox!), y el público dictaba sentencia al acabar cada tema con aplausos y silbidos de gozo variados.
Tras el primer tercio del concierto el vocalista cambió su guitarra eléctrica por una acústica y sonó uno de esos temas que cuando están bien tocados, como la tarde del domingo, producen sensaciones especiales, o se te para el corazón o la emoción brota en sus más variadas manifestaciones... Sí, me estoy refieriendo a "El sitio de mi recreo". Sin palabras. "Lucha de gigantes" ese clásico de clásicos de Nacha Pop, nos llevó a muchos a unos momentos de nuestra adolescencia que desde la distancia se recuerdan con especial cariño y benévola compasión.
Después de algún tema acústico más, el concierto viró de nuevo a su vertiente más eléctrica, sonando, entre otras "Entre tú y yo", "Estaciones", "San Antonio", o "La ultima montaña", y enmedio de éstas el vocalista quiso presentar al publico asistente al grupo: Juan Antonio Ortiz, a la bateria y coros; Jesús Bernal, al bajo; y Blas Sánchez, a la guitarra y los coros. Nos quedamos sin saber como se llamaba el vocalista y guitarra, pues se presentó como "un servidor" (mentira, a mi el combinado de ron cola me lo puso un camarero), pero bueno, se lo digo yo, vocalista y guitarra, Joaquin Beltran.
En el debe de la actuación no podemos dejar de hacer referencia a dos cuestiones: la primera es la escasa sensibilidad del Sr. Beltrán quien, dulce y amablemente, rechazó la petición de un grupo de animadas jubiladas de tocarse algun temita de Manuel Carrasco... eso no se hace, hombre por favor...; la segunda es que nunca llueve a gusto de todos, claro, y este que escribe estas letras habría hecho algún cambio en el repertorio, de modo que en la hora y pico que duró el concierto hubiera podido escucharse en la sección acústica "A trabajos forzados" y en la eléctrica "Una décima de segundo" y la imprescindible "Se dejaba llevar". Ahí queda la sugerencia.
Para terminar el concierto sonó la esperadísima "La chica de ayer", cantada a coro por el público que llenaba el Cafe-Pub "Oh la la", dejando que "Guitarras" echara el telón a la actuación y quedáramos todos con el regusto maravilloso que permanece cuando uno tiene ganas de más.
Larga vida a "Vega Pop" y que puedan disfrutar, hacer disfrutar y difundir la obra de este genio, como lo hicieron en su
debut mundial del pasado domingo. Chapeau!
Pongámonos en situación: domingo 30 de enero de 2.022. Rafael Nadal Parera ("huevazos gordos Nadal", para quien no lo conozca por los datos de su DNI) había jugado la final del Open de Australia, en Melbourne, contra un ruso, Medvedev, que casi podría ser su hijo y que ya lo quisieran los generales de Putin para sacar los dientes en la frontera con Ucrania. Perdía por 2 sets a 0, y estaba perdiendo por 2 juegos a 3 en el sexto juego del tercer set, y pese a que estaba al servicio perdía por 0-40, por lo que su adversario de hielo tenia tres bolas de break, para ponerse 2-4 y servicio, o lo que es lo mismo, para encarrilar el pasillo al título de la tierra de los canguros y los ornitorrincos. Y bueno, ya sabemos lo que pasó... el ave fenix resurgió de sus cenizas y se impuso con coraje, honor y gloria, logrando convertirse en el varón del planeta tierra con más grandes slams... épico no, lo siguiente.
17:45 horas del mismo dia, Sergio y unos amigos están en la puerta del cine, comprando palomitas y demás avíos para ver "El método Williams", película que aborda la génesis de una pareja de tenistas que marcaron una época en el circuito femenino de este deporte. ¿Puede decirse que uno iba un poco sugestionado por la gesta que acababa de presenciar unas horas antes? ¿Puede que el halo de grandeza que rodea a los deportistas de elite fuera más halo o más grande aun desde esa perspectiva? Puede ser. Lo cierto es que me dispuse a ver la peli tratando de olvidar lo que había visto por la tele, del espectáculo que nos había brindado a todos nuestro compatriota, quería ser objetivo, disfrutar de la peli si era disfrutable y no tratar de mitificar a los protagonistas de un deporte que tanto me gusta, tanto como tan mal se me da practicarlo.
¿Me gustó la peli? Sí, me gustó. ¿La recomendaría? Para verla en casa en Netflix, dvd o similar, sin duda. Para pagar 7'90 por una entrada más otros 10'40 por las palomitas y el refresco mejor elijo otra cosa. Se pueden sacar varias conclusiones interesantes pero todas parten de un handicap, desde mi punto de vista, que ha sido tenido obviamente en cuenta, a la hora de contar la peli del modo en que se hace y es que... pues que todos sabemos que las gemelas Williams triunfaron. Si la película fuera ficción y existiera esa incertidumbre sobre lo que va a ocurrir creo que la tensión que provoca la cabezonería del padre, su método y su extraña forma de, llamemosle, negociar con las distintas personas de las que se rodea, habrían tenido un efecto mucho más atractivo. Por eso considero que es un handicap y por eso tal vez, se podría haber contado la historia de otra forma.
Hay dos cuestiones principales en esta peli: el método y la lucha racial, y ambas están intimamente unidas. El padre, el extraño ser interpretado por Will Smith y que monopoliza el protagonismo de la cinta, es voluble, y sin embargo repite como una mantra que se trata de su método, un método para convertir a sus hijas en estrellas del deporte de la raqueta. La sensación que a mi me queda es que su método es un tanto improvisado y además contradictorio, porque no quiere presionar a sus hijas, pero les repite sin cesar que serán las número uno, que vivirán en mansiones (cuando están acostumbradas a dormir cinco hermanas en un cuarto minusculo), etc... Y como digo, aprovecha el padre cada momento que puede para quejarse de la opresión de los negros en Estados Unidos, y para hacer ver a sus hijas que ellas serán una especie de libertadoras de todos los de su raza e incluso, los de su condición social. Es de destacar una piel muy fina por parte de Papá Williams que provoca por un lado que le partan la cara cada dos por tres y por otro que tome decisiones caprichosas dia si dia también.
Dicen que la interpretación de Smith es digna de Oscar. No lo se, o no me ha terminado de llegar a mi. Tal vez habria que conocer mejor a la persona real para ver si el personaje está tan pulido como dicen, y además, habría que ver la película en versión original, claro. Aún así, gestualmente, y mas alla de que el atrezzo sea un poco impostado, es verdad que el bueno de Will se mete en la piel de un tipo peculiar y convence hasta el punto de que provoca desazon y admiración a partes iguales.
En fin, que me voy a poner el resumen del Nadal - Medvedev soñando en la peli que algún dia se hará del titán de titanes de Manacor.
Trailer:
Innecesaria. Es el pensamiento que se me viene a la mente después de ver esta película.
Me atrevo a asegurar que muchos de los que disfrutaran, como yo, la saga de Matrix hace 20 años y han ido raudos y veloces al cine a ver esta nueva entrega habrán salido parcialmente decepcionados. Y es que realmente, desde mi punto de vista, la cinta no aporta nada nuevo de relevancia. Viene a abundar en las virtudes que tuvo básicamente la primera película y a darle un par de vueltas más al tema. Me llamó mucho la atenciónun gran cartel que había en las oficinas principales donde trabaja el señor Anderson, y es la frase "Deus es machina", que no deja de ser un recurso utilizado en teatro y en el cine para resolver una trama de manera artificiosa o, como yo le llamo, simplemente tramposa, introduciendo un elemento inesperado que es el causante o el responsable del desenlace o de un momento relevante de la obra. Toda una declaración de intenciones... y hasta aqui puedo leer, porque Matrix (I) era redonda, para mi gusto, y no hacían falta las secuelas con esos alardes de lecciones pseudofilosóficas (o filosóficas, y yo las desprecio porque simplemente no las entiendo, que también puede ser). Pues esta secuela menos hacia falta.
El cine dentro del cine esta bien, me gusta, en líneas generales y con reservas; el videojuego dentro del cine y a su vez dentro del cine ya me hace menos gracia, que queréis que os diga... aunque para entender esto tendréis que haber visto la peli. Creo que el modo de desarrollar la trama aqui le hace un flaco favor a la trilogía anterior.
En cualquier caso he de decir que la peli me pareció muy entretenida, con b uen ritmo, buenos efectos visuales y sonoros (entiendo que deliberadamente anticuados, al gusto del consumidor) y un metraje que aparenta largo pero que entiendo que es ajustado. El verdadero leit motiv de la historia es la relación entre Neo y Trinity, lo que pretende justificar la existencia de la cinta, y sin embargo para mi quien se lleva todo el protagonismo es el kung fu y las hostias como panes que se regalan unos y otros-
El cine siempre en pantalla grande, y Matrix más, pero despues de esto pienso que no habría pasado nada si hubiera esperado a verla en cualquier plataforma. Pero bueno, no está mal, se echó el ratito, que falta hacía. Chin pon.
He ido al cine a ver esta pelicula por dos razones: la primera es que me gusta el cine de gangsters, en general; la segunda es que considero "Los Soprano" una de las cinco mejores series de toda la historia de la humanidad. Cada uno tiene sus gustos, pero me consta que mucha gente comparte esta opinión.
Pocos personajes hay en la historia del cine (si, del cine, porque "Los soprano" no era una teleserie cualquiera) como Tony Soprano y la enorme interpretación que del mismo hizo el también enorme y añorado James Gandolfini. Y claro, anuncian una peli de gansters y se trata de una precuela de una de las series favoritas de un servidor y la boca a uno se le hace agua. Lógico. Por lo tanto, punto a favor de la peli antes de empezar, lo reconozco.
Sentía una gran curiosidad por ver cómo nos iba a contar David Chase, el creador de la serie y, por extensión, de este film, la génesis de nuestro mafioso favorito (con permiso de Michael Corleone, me pongo en pie), y lo cierto es que me ha sorprendido ver como el aparente protagonista de esta cinta es Dickie Moltisanti, tio de Tony, que hace de espejo para el joven Soprano, a quien se le pretende alejar del "mal camino" dada su inteligencia y las dotes de liderazgo que ya apunta el chaval desde el colegio. Una curiosa forma de contar cómo, dónde y por qué este joven se convierte en ese mafioso que, pese a tener todos los ingredientes para calificarlo como un ser despreciable, contaba con las simpatias de todos los seguidores de la serie.
La peli dura dos horas, que pasan volando; uno se queda pensando, cuando ya acaba, que al menos le falta una hora más, que queremos más, que necesitamos que sea todo más explícito y tal vez la grandeza de la película es esa, que no lo sea, que sepamos leer entre lineas, que imaginemos desarrollos que nunca sabremos como se produjeron.
Tres apuntes finales en esta breve crónica: 1. La música, magnífica, acompañando a los personajes en un contexto histórico concreto, la sociedad norteamericana de los años 60 y 70. 2. Ray Liotta: con su doble y antagónico personaje nos muestra mucho, o al menos trata de explicarnos, mucho de lo que ocurre en esta familia y en la lucha histórica de ciertas clases sociales y lucha racial. 3. Michael Gandolfini, el Tony adolescente... efectivamente, es el hijo de James Gandolfini, lo que ignoraba hasta ver los créditos finales.
Peli de mafiosos que además puede uno ir a ver al cine sin haber visto ni un solo episodio de Los Soprano y disfrutarla igualmente, como ente independiente. Recomendable.
Decepción gorda, no puedo decir otra cosa. Ya "Mula" me pareció floja, pero después de ver "Cry macho" me quedo con una sensación de cierta lástima. Clint Eastwood tiene un bagaje como actor y director de cine brutal y sí, tiene todo el mérito del mundo que con mas de 90 años siga el tio al pie del cañón, sin duda, pero pienso que una retirada a tiempo puede ser en ocasiones una gran victoria. Para hacer subproductos mejor no hagas nada. No se quien firma el guión, pero me ha parecido muy pobre, con un hilo argumental sencillo (hasta ahi sin problema) pero con unos diálogos sin chicha ni limoná. Cuando el centro de una peli es el viaje que llevan a cabo un nonagenario y un chico rebelde de 13 años los diálogos entre ellos son básicos. Y aquí pecan de insustanciales.
El doblaje no ayuda. Salvo el del protagonista, en general la versión doblada me parece pésima. Imagino que tendrá que ver el hecho de adaptar los diálogos al doblaje teniendo en cuenta que parte de aquéllos es en español. Pero si el niño no transmite nada, quien se ha ocupado de doblarlo no ayuda en la labor, que digamos.
El bueno de Eastwood no puede con su alma, se le ve muy muy mayor y muy muy torpe.. creo que no se ajusta el personaje a las condiciones físicas de este monstruo. Hay una escena que no es que roce el ridículo, sino que es ridícula por completo, siento decirlo, y es en la que Mike (Eastwood) se sube a los lomos de un caballo salvaje en un particular rodeo... plano general con el caballo a todo plan y el jinete (doble especialista, obviamente) haciendo lo posible por no caer y contraplano corto en el que se ve a Eastwood aguantando el equilibrio. Me recordó a los planos de "Condemor, el pecador de la pradera" cuando el bisonte persigue a Chiquito y mezclan imágenes de un documental con un bisonte de pega y Chiquito delante.... pena. Esa escena se repite también más adelante con el niño esta vez como jinete. Puro horror.
No puedo salvar nada de la película, me sabe mal, pero es así. Me daba pena pensar que podía ser la última de Eastwood, y que quedara así la cosa. Eso sí, siempre nos quedará una filmografía enorme para poder disfrutar de su arte a un lado y al otro de la cámara. God save Clint!
Fue el viernes 4 de agosto de 2.017 cuando "descubrí" a Robe. Fui al concierto que dio en Cádiz, en su gira "Bienvenidos al temporal", con la única intención de escuchar algunos clásicos de Extremoduro, banda a la que seguía de aquella manera desde "Agila", aunque fuera éste el único disco que había escuchado completo del grupo. Sabía que el Robe había sacado alguna cosa en solitario, pero ignoraba si era un disco, o eran dos, tres o cuantos... yo quería escuchar "Prometeo", "La vereda", "Stand by" y si me apurabas "Extrema y dura" o "Jesucristo García", y así tantas. Muchos ya sabréis que esa noche no tocó ni un solo tema de Extremo. Y si, esa misma noche, para mi, nació un mito. Al día siguiente ya estaba yo escuchando sin cesar "Lo que aletea en nuestras cabezas" y "Destrozares...", ambos a la par... no daba crédito a tanta belleza mientras repetía una y otra vez "Un suspiro acompasado" y "El cielo cambió de forma". A partir de ahí ya fue ansia por saber más de Robe, por escuchar todo el material de Extremoduro, desde el primero al último disco. Alucinaba a la par con Iñaki Uoho y con David Lerman, con Cantera y con Carlitos Pérez, cada uno de ellos en su tiempo y en su negociado. Y claro, cuando Robe e Iñaki anunciaron la gira de despedida de la banda pensé que me tendrían que matar para perderme alguno de los conciertos. Conseguí entradas para mí y mis colegas para el concierto de Sevilla... y bueno, ya sabemos lo que pasó.
El 30 de abril de 2.021 iba camino del cine para ver "Nomadland" y lo hacía escuchando "La ley innata". No quería escuchar "Mayéutica" sin pasar por el origen del disco y además sin hacerlo con los cinco sentidos alerta. Simplemente aluciné. Un tiempo después Robe anunció la gira y me sentí dichoso. San Fernando, Sevilla y Fuengirola, eran las opciones mas cercanas a mi gaditana casa. Cuando se anunció que Fuengirola sería el único concierto con gente de pie en pista no me lo pensé: los destinos serían Fuengirola y San Fernando. Daba igual que fueran dos días seguidos...
Esta es la crónica de lo vivido las noches del 17 y el 18 de septiembre de 2.021...
Como decía, en Fuengirola tenía entrada de pista. Pasé por la preceptiva prueba previa de antígenos en el precioso Castillo de Sohail y disfruté de "Los ciclonautas", que tocaban previamente en el marco del "Cosquin Rock" celebrado en el Marenostrum, que por cierto es un recinto magnífico para un festival. Gran ambiente en pista y en las gradas. Escenario generoso y dos buenas pantallacas en los laterales, para no perder detalle. La pista tenia un magnifica disposición en desnivel, lo que facilitaba la visión de las personas que estaba a media pista y detrás. El control de seguridad fue eficaz y sin muchos paliativos ni remilgos... si te bajabas la mascarilla eras interpelado por el controlador de turno en menos que cantaba un pollo (si, ese al que no mataron porque la gallinita quería en matrimonio, claro), y que ni se te ocurriera entrar a la pista con una cerveza porque salían los SWAT y te sacaban en un helicóptero destino Guantánamo. Aun así en la pista los varios centenares de personas que allí nos congregábamos éramos libres, o al menos así lo sentíamos. Había ganas de estar de pie en un concierto, muchas.
En San Fernando pude adquirir en un primer momento entradas para la fila 8, centraditas, estaban muy bien. Pero una vez adquiridas las seis preceptivas, en algún despiste de alguien no se que pasó que vi que estaban libres las butacas 2 y 4 de la fila 1...... nervioso seleccioné, metí la numeración de la tarjeta y salió el mensaje de que podía descargar mis entradas. Uno de mis acompañantes para la noche isleña era mi hijo Rodrigo, gran fan de Robe, como su hermana (tranquila Teresa, Villanueva de la Serena nos espera a tu vuelta), así que sería una sorpresa para él, ver al Robe y su banda en una de las dos mejores localidades del recinto.
En ambos conciertos la presentación fue igual. El símbolo de "Mayéutica" esa U tan peculiar (¿se puede decir aquí que es un coño ¿verdad?) proyectado sobre el telón de fondo y uno a uno, a modo de parto socrático, fueron apareciendo los músicos: Lorenzo, en primer lugar, portando un bajo, Alber Fuentes, con sus baquetas y coqueto sombrero, Alvaro Rodriguez Barroso dirigiendose al Hammond, Woody Amores, con su guitarra eléctrica, David Lerman (primera gran ovación) haciendo sonar su clarinete, y, cerrando la sinfónica extremeña, Carlitos Pérez con su violín... primeros acordes de "Hoy al mundo renuncio" y cierra el parto múltiple el gran Roberto Iniesta Ojea, el público enloquece.
En Fuengirola la cita era obligada.... "que alegría nos habeis dado; que alegría veros a todos de pie"...y se notaba que lo decía de todo corazón. En San Fernando, Robe hizo referencia a que en esta época de restricciones él iba a quitar una, la de no usar los móviles, algo que sabemos que no le hace especial ilusión, por no decir que le toca soberanamente los cojones. Después de la canción de apertura sonaron los acordes de "Guerrero", ejecutada limpia y brillantemente, tanto por la orquesta como por el vocalista. Y tras ella la arrebatadora, evocadora, deliciosa y esperadísima "Si te vas", coreada tanto en tierras malagueñas como gaditanas.
El set list varió en este punto. En Fuengirola sonó "De manera urgente" y el público se volvió loco dando botes, mientras que en San Fernando Carlitos hizo su maravilloso y laberíntico solo de inicio antes de que Lorenzo entrara con el quejío previo al "doooooooooy la vida sin pensar, no tengo a donde ir..." de Robe; sí, "El cielo cambio de forma", esa canción que es pura hipnosis en directo, a la que siguió "Golfa", cuyo estribillo se coreó con gusto por el público isleño. La siguiente canción en ambas plazas fue "Contra todos", ese himno de los rebeldes inconformistas, del Robe que acostumbra a ir contracorriente y consigue mágicamente variar el cauce de las aguas pese a que humildemente reconozca: "esta canción habla de mis defectos, de mis carencias y de mis errores; aquí está mi delirio, mi falta de gusto, mi confusión, mis lágrimas, mi vanidad, mi soledad de lechuza y mis contradicciones".
En tierras malagueñas tocaba el turno de escuchar "El camino de las utopías". Antes del punteo inicial Robe preguntaba al aire "¿Alguien tiene un plan para salvar el mundo? Pues cuanto más difícil sea el plan más orgulloso estarás de él. Y si es imposible, mejor aún, porque en el fracaso tendrás también la gloria". La ejecución fue magnífica, y Woody Amores la lió con su guitarra, los vellos como escarpias y los ojos acuosos en el punteo final. Masterpiece. Y hablando de obras maestras, lo siguiente que sonó en ambos escenarios fue "Un suspiro acompasado", magia pura, Carlitos y David liándola con el violín y el clarinete. Aquí he de decir que los arreglos iniciales para la guitarra de Woody no me terminaron de encajar, pero después la canción fue fluyendo de manera colosal, en ese in crescendo que no puede dejar a nadie impasible.
Antes de acabar con la primera parte del concierto se varió de nuevo el repertorio. En Fuengirola tocaron "So payaso", la grada se venia abajo y el publico de pista coreaba la letra en su integridad. En San Fernando el turno era para la no menos majestuosa "Locura transitoria", también muy coreada... ¡y que bien sonaba esta canción con estos arreglos!
El cierre de la primera parte no podía ser otro que algún movimiento de "La ley innata", en este caso la "Dulce introducción al caos", con un Woody nuevamente épico, pasando Robe a dar licencia para un descanso para "beber, mear, fumar o lo que sea". Es de justicia decir que en San Fernando se podían llevar las consumiciones al asiento, lo que daba la oportunidad de sacarse la mascarilla de la cara y cantar lo que uno tuviera en gana mientras durara en el vaso el líquido correspondiente. Vaso grande, rato largo de libertad respiratoria, la ecuación estaba clara.
Extractos Parte I:
La segunda parte la esperaba todo el mundo con ansia. "Mayéutica" completa, 43 minutos seguidos (terminaron siendo algunos mas), con su Interludio, sus cuatro movimientos y su coda... "Se cae la casa desde que se marchó, perdí la pista del eje del salón", por fin escuchaba esta obra maravillosa en directo después de haberla reproducido en mi movil y en el coche casi un centenar de veces, y la gente acompañaba al Robe a coro. El primer movimiento comenzaba con esos acordes de guitarra y ese violín rasgado tan característico ya y llegaba el segundo, esa "Mierda de filosofia" y en Fuengirola la multitud que llenaba la pista se volvia loca, puta loca. En ese momento en San Fernando quien se quedaba inmóvil en su asiento es que no tenía corazón, sangre en las venas o simplemente estaba sordo, brutal.
"Los poetas, igual que los filósofos, no somos ranas pensantes ni aparatos de objetivación con las vísceras congeladas. Continuamente tenemos que parir nuestros pensamientos desde nuestro dolor, y compartir maternalmente con ellos todo cuanto hay en nosotros de sangre, corazón, fuego, placer, pasión, tormento, conciencia, destino, fatalidad. Vivir significa para nosotros transformar continuamente todo lo que somos en luz y en llama". Esta reflexión del Robe y un onírico coletazo de Woody del primer movimiento de "La Ley Innata" dieron paso al instante de luz del tercer movimiento de esta colosal pieza, homenajeando al personal al variar sensiblemente la letra y manifestar "ojalá me muera de repente, ahora, fruto de esta alegre sobredosis que me da teneros justo enfrente, ahora, y ya no necesito nada más". Lorenzo, en un alarde vocal fuera de lo común introdujo el más famoso pasaje de Turandot, parte del aria "Nessun dorma" y su "al alba vinceró"... extraterrestre durante toda la noche. Y sin solución de continuidad pasamos al cuarto movimiento y cuando sonaba eso de "empieza la función, aquí se admiten peticiones" la gente enloquecía y al llegar a "una luz de agarradero necesito porque el suelo se mueve, en serio, se mueve, me desequilibra" todo el personal de pista de Fuengirola empezó a patalear contra las tablas del suelo de tal manera que parecía por momentos la invasión del cartaginés Anibal con todos sus elefantes.... Y Lorenzo seguía liándola.
Exhaustos llegamos a la "Coda feliz" y pudimos disfrutar de esa maravillosa versión extendida: "seguiré, yo no se hasta donde, por si acaso, si fracaso, dame un beso por si no regreso; seguiré, yo no se hasta cuando, por si acaso, si fracaso, dame un beso por si no regreso". Mayéutica se hizo cortísima en directo, y con la coda se llegó al final del concierto.
Bueno, faltaban los bises, claro, idénticos en Fuengirola y San Fernando. Tras una tímida retirada salió de nuevo la banda a escena y mientras Robe hacía unas nuevas reflexiones Woody comenzaba a hilvanar los acordes de un clásico como "Stand by", aclamada y coreada de manera general. Tras ello se quedó el Robe rasgando algunas notas de su guitarra y diciendo "bueno amiguitos, esto se está acabando; se os queremos, se os queremos a todos, pero se está acabando", y en eso Alber empezó a darle caña a la batería mientras empezaban a sonar los compases de "La vereda de la puerta de atrás", otra pieza que encaja a la perfección en el repertorio de este grupo y los nuevos arreglos musicales, especialmente el violín de Carlitos. Delirio.
"Y rozar contigo" vino a poner un poco de calma, para que la gente recuperara el aliento... tic-tac, tic-tac, pero los corazones no se detenían, Woody no lo permitía. Y no lo iban a hacer, no sin escuchar la canción de despedida de la gira, uno de los grandes clásicos de la banda, "Ama, ama, ama y ensancha el alma", letra reivindicativa del maestro Manolo Chinato. Apoteosis total, himno generacional con el que muchos, de una manera u otra, crecimos y que supuso el magnífico colofón a unas noches mágicas mientras el Robe, en su habitual gesto de fin de concierto, levantaba su guitarra y hacia una ofrenda al público, a modo de agradecimiento por la compañia. Y la ovación fue interminable.
Y de repente el ansia desapareció y salí de cada recinto sintiendo que había vivido algo grande, y que con el tiempo el recuerdo lo haría más grande aún. Y así será.
"Quiero saborear la esencia de las cosas,
batió las alas una mariposa y
... sabor de aire recién batido".
Extractos Parte II:
Set list:
Fuengirola 17/09/21:
Parte I:
1. Hoy al mundo renuncio
2. Guerrero
3. Si te vas
4. De manera urgente
5. Contra todos
6. El camino de las utopías
7. Un suspiro acompasado
8. So payaso
9. Dulce introducción al caos
Parte II:
Mayéutica:
10. Interludio
11. Primer movimiento: Después de la catársis
12. Segundo movimiento: Mierda de filosofía
13. Tercer movimiento: Un instante de luz
14. Cuarto movimiento: Yo no soy el dueño de mis emociones
15. Coda feliz (extendida)
Bises
16. Stand by
17. La vereda de la puerta de atrás
18. ...Y rozar contigo
19. Ama, ama, ama y ensancha el alma
San Fernando 18/09/21:
Parte I:
1. Hoy al mundo renuncio
2. Guerrero
3. Si te vas
4. El cielo cambió de forma
5. Golfa
6. Contra todos
7. Un suspiro acompasado
8. Locura transitoria
9. Dulce introducción al caos
Parte II:
Mayéutica:
10. Interludio
11. Primer movimiento: Después de la catársis
12. Segundo movimiento: Mierda de filosofía
13. Tercer movimiento: Un instante de luz
14. Cuarto movimiento: Yo no soy el dueño de mis emociones
15. Coda feliz (extendida)
Bises
16. Stand by
17. La vereda de la puerta de atrás
18. ...Y rozar contigo
19. Ama, ama, ama y ensancha el alma
